天美考研干货! 素描基础精讲课程

在天津美术学院的考研过程中，大部分专业初试都会考素描，同学们对于基础绘画的掌握能力，很大程度上决定了练习水平的高度。今天天美考研直通的金牌老师（十年艺术考研教学经验，天美硕士学历，《雕塑》杂志常驻艺术家）带领大家了解素描的基础知识以及如何更好地训练，达到高分评判标准

大家先了解一下素描的概念，素描是画家表达语言的一种基本方式，常常与创作紧密联系。素描是画家认识客观物象和刻画客观物像的基本要求，素描体现了艺术的灵魂，是绘画的生命根源。在素描中的语言和造型尝试是艺术家艺术创作的根本，不能表达情感的素描不会是好的艺术，因此要学会一种崭新的方法去观察，形成自己的观察方式，有了自己的观察方式，才能创造出个人化的富有生命力的艺术语言和形式，素描它不仅仅是一种绘画手段，更是一种思维方式，表达则是重中之重！

不同的艺术家，他根据自己创作风格不一样会形成不同的素描的风格。有的画面感觉是为了表现画面的整体冲击力、整体效果、整体的气氛氛围，不同的人对素描有不同的利用方法，素描是一个根本的工具，所以说考天美素描是基础，而且素描跟速写其实是不分家的，国外把素描速写的都定义为素描。去年初试设计就是考的偏速写，是考了两张4开的全身像，然后造型考的全身像加道具加场景。

例如上面幅画蒙克的画，用素描来为自己的油画创作做一个铺垫。先起一个素描稿，然后再进行油画创作，在这个过程中，因为素描它体量比较小，容易修改，这是它的一个黑白稿，凡是黑白的或者单色的这个这种形式的画面都成为素描。

这张也是蒙克的一张稿子，用咱们现在的这个评判标准来说就是一张速写，一般油画家来画这个稿子的时候，就是要把人物的着装、肤色、发色和道具的颜色用素描的方式来表达出来，这就画的比较偏浊，画面偏浊一些，不是写实，而且特别的随性，它对于这个语言的把控是一种很松的一个状态，但是脸部的刻画是非常的到位。作为一张速写，它不会那么细腻，但是他的整体感觉特别好，构建这个画面的一个空间感，后面的人物基本上概括成一个这个大概的剪影，用剪影的造型来表达。天津美院从前年换了院长之后，每年的考题都不一样，按以往来说考题是基本不变的，现在就是一个院长一个风格，最之前的话就是素描半身像，但是去年考的照片，所以摸不准它这个具体考什么，所以需要都练，但是考的就是最基本的最基础的东西，就是对于你造型能力和认识能力的考察，还有对于你组织画面的组织能力，最后还有一个刻画能力。

这张画也是蒙克的，是偏线条的，是以线为主的，画面生动，虽然看着好像没有章法，不像现在的素描线条表现很多，但它把这个形体和人的这个人物之间的关系状态做的很到位到。

这张就整整齐齐的，考设计的同学都要偏工整一些，是柯勒惠支的作品，它主要表达的东西是生命的体验，观察生活，还有记录生活，然后发掘和积累人生的经验，柯勒惠支是二战期间生存在战争期间的一个女画家，所以说她的作品比较挣扎、比较偏扭曲一些，然后表达的力量感要强一些，因为这个单色的语言来表达人物状态或者画面状态的时候，它的力量感是非常强的。这就是不同的人用不同的这个线也好，还是面也好，他自己通过素描把自己的认识表达出来，营造自己的画面。

这张表达女性和母爱在这个战争期间受到的这种折磨、摧残、高压的一种生活状态，可以看出他对于造型语言的把控，可以看到这个手画的非常的好，就单看这个手，手呢线条既松，然后人体又结实，然后还不拘小节，包括光影也是大的光影感，手的那种肌肉结构，骨骼都有表现，涵盖出了一定的解剖知识。造型原来考的是人体素描，设计的同学不一定就不考人体。考试的不可定因素太多，所以说这几年有可能考人体速写，现在练习或看东西一定要很全面，因为咱们就是一定要稳扎稳打的准备好每一个方向的画。看这幅画这个腿的这个位置，膝盖的这个位置是很难画的，尤其是这个角度、这个状态的腿的造型，就是作者的基本功是非常扎实的，这个小腿骨的这个弧度造型，人的骨骼不是直的，小腿它是两根骨头是弯曲的造型，所以画面想要表达出来这种力量，要有非常好的观察能力，洞察力，以后也要培养这种洞察力，就无论人体也好，着衣也好，给你静物也好还是给你这个风景也好，这种观察能力洞察力是画好一张画最基本的基础素质。善于观察才能善于学习。

今天主要的目的就是通过每一张画，然后这个给大家剖析一下，然后让大家多认识一些不同造型语言，不同的风格来这个认识素描和开阔眼界。

上面这幅画是奥尔巴赫的作品，他是一个表现主义油画家，画就是那种特别厚特别有有灵动的这个笔触的，他的油画作品就比较厚实，然后他的素描也有这种感觉，这种像油画笔触一样的线条，来把画面的框架来支撑起来。看似是感觉这些线是乱画，其实它是有一些情感的表达，这种素描就更多的是情绪情感的表达，而不是平时写生的那个东西。但是最基础的鼻子眼嘴这些地方，它还是有素描的光影感，眯着眼看或远看，它是一个完整的一个画面，近看的话，这些线它作为一个表现主义的画家就是会画的比较的比较的猛，比较的强烈。观察周边事物，发自内心去找寻用笔表现的欲望，素描也好，其他也好你想画才能画好，如果就是说特别生硬的，画一些不感兴趣的东西，可能你表达欲可能就在画面上体现不出来，所以每次画作业或者其他的，可以找一些自己感兴趣的点去做。

这幅画基本上是用铅笔的浅灰调子先做了一个人和背景的关系，然后作者又把后面的底层右侧用色粉也盖了一下，然后表现的是他油画的那种张力，看奥尔巴赫的油画，就会明白他为什么这么画素描，为什么别人不这么画素描，然后你想怎么画素描，或者你喜欢谁的素描，现在现学阶段就可以学某一位大师的风格和语言。主要是造型，无论什么风格都行，就是你的造型要好，你的形体要准你的光影结构表达，这些东西要准，这是关键。

这幅是毕沙罗的，是印象派的画家，他注重写生，然后一般户外的写生还比较多，基本上都是真实光线的户外写生，所以生活气息比较浓，他画面比较朴素，他用的表现语言，用的这个钢笔，线比较犀利，不好修改，但是他画的比较松动，其实修改的东西挺少的，基本上都是画的时候就能盖进去，他就是利用黑白构成，就是大面积的小面积的零碎的和整的挤出来的这种光感来营造的一种画面，这就是他对画面的一个认识。

这是柯罗的作品，柯罗是一个法国风景画家偏古典一点，18世纪以前的，甚至是19世纪以前的这些素描或者画，画面语言基本上都是写实的，然后从19世纪印象派往后，出现了各式各样的风格，把写实的造型语言单色的素描做的非常好，到19世纪后期，包括巴洛克洛可可画家他们利用素描利用的非常好，用素描来为油画做辅助，画一些稿子。

这也是柯罗的一个作品，这张画面他用了一条竖的枝干和一条弯的枝干，和一个大的像浪一样的这个形状构成了这张画。我们主要来分析它的构图，就是什么样的构图比较完整或比较完美？就是你从你的画面里要找到节奏，黑白节奏和线的节奏，直的、曲的、长的短的、软的硬的、虚的实的、钢的柔的这些东西就像音符一样组成一个曲子一样，就是用这些组成画面，画面就是可以比作一首曲子，如果用的线都一样长，那把它当做一首曲子唱出来就是全是一个音调，只有这种不同的东西组合在一起，才会形成一个好听的作品。我们画人也要注意节奏。

这张画是伦勃朗的作品，他是古典主义大师，17世纪荷兰画派肖像画家。他对于人的认识比较深刻，会赋予对象特殊的美感，无论美与丑，都是一种态度，都是一种认识，关键的是能够在你的画面上能够表达出来你自身的态度。这张画非常适合我们临摹，每一个细节都要掌握，感受他对于人的刻画。

这张是毕加索的作品，比较抽象，毕加索、塞尚、马蒂斯都是不注重不追求外在的表象，他们是更注重内在或者是情感的解析、分离来带给他们刺激，但是他们平时能画的很写实，但是这种写实已经满足不了他的表达欲了，更有意思更有冲击力的画面才出现了，而后表现主义野兽派这些画派就应运而生，考试是不能画成这样的，但是你要知道认识很重要，你可以学这些，但是你不能这么去看东西，这上面的线，组成的虚实，包括这个长短这种构成感可以学，但变形不用学。学的是一种精神，因为这是一个画家对一个事物，把它剖开了或者立体化了或者分解了而后画出来的东西。所以画画的时候一定要有自己的想法，考研每个导师招的学生他都会要求你有自己的这个对于事物的一个态度，这幅画就是一种态度的表现。这就是完全变形的一个人，像现在的漫画一样，但是它的这个立体感也是靠调子来表现出来的。

我们再来看一下文艺复兴时的几张画，来认识一下构图，这个基本上就是考造型的同学会用。组织就是创作的时候要组织画面，组织人物、场景的关系。那么就是绘画工具和你表达的内容是有关系的。不同的材料，不同的工具，表达出来的质感和表现力是不一样的，比如说铅笔容易画的很干净利索，也可以用纸或涂抹的非常的厚实，或者是脏也好，它都能做到。需要画氛围感很强的东西时，铅笔也容易画的干净利索，碳笔跟铅笔差不多为一类，但是碳笔跟铅笔也有区别，咱们平时就是以后要用的笔基本上就是铅笔和碳笔，还有14B它是属于碳素。木炭棒、碳棒、水性颜料、单色的水彩、单色的油画，单色的丙烯，单色的水粉都可以，包括单色的国画都可以，它的这个材料非常的多，只要是单色的都能叫素描。比如说你拿一个碳棒让你画这种细线的可能就表达不好，但是用削尖的炭笔或者是一个铅笔这种表达这种画面会轻松了一些。氛围感很强的东西，、用铅笔炭笔都没问题，然后如果想画容易擦容易蹭的画面，色粉，这种粉制的东西能够发挥更好。